Las multitudes

Charles Baudelaire y Tamara Cubas

No a todos les es dado tomar un baño de multitudes: disfrutar de las masas es un arte, y solo aquel a quien en su cuna un hada insufló el gusto por el travestismo y la máscara, el odio al domicilio y la pasión por el viaje, puede darse, a expensas del género humano, un banquete de vitalidad.

Multitud, soledad: términos equivalentes y transformables para el poeta activo y fecundo. Aquel que no sabe poblar su soledad, no sabe tampoco estar solo en una multitud atareada.

El poeta goza del incomparable privilegio de poder ser a su antojo él mismo y otro. Como esas almas errantes que buscan un cuerpo, él entra, cuando lo desea, en el personaje de cada uno. Solo para él, todo está vacante; y si algunos lugares parecen cerrársele, es porque a sus ojos, no vale la pena visitarlos.

 

   El paseante solitario y pensativo experimenta una embriaguez particular ante esta universal comunión. Aquel que se desposa fácilmente con la multitud experimenta goces febriles, de los que estarán eternamente privados el egoísta, cerrado como un cofre, y el perezoso, internado como un molusco. Él adopta como suyas todas las profesiones, todas las satisfacciones y todas las miserias que se le presentan en cada situación.

Aquello que los hombres llaman amor es muy pequeño, muy restringido y muy débil, comparado con esta inefable orgía, con esta santa prostitución del alma que se entrega entera, poesía y caridad, a lo imprevisto que se revela, a lo desconocido que pasa.

Es bueno a veces hacerle ver a los felices de este mundo, simplemente para humillar por un instante su tonto orgullo, que existen felicidades superiores a las suyas, más vastas y más refinadas. Los fundadores de colonias, los pastores de pueblos, los curas misionarios exiliados en el extremo del mundo, sin dudas conocen algo de estas misteriosas embriagueces; y, en el seno de la amplia familia que su genio se formó, a veces deben reírse de aquellos que los compadecen por su fortuna tan revuelta y por su vida tan casta.

El 30 de octubre de 2016 se presentó «Multitud» de Tamara Cubas en el marco de EINCE: Escena Contemporánea en el Centro de Desarrollo Comunitario 19, en la Colonia de El Fresno, en Guadalajara, Jalisco, México.

Entrevista: Angela & Jared

Entrevista: What they are instead of

Por: Alejandra Carrillo

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Jared & Angela

Entrevistamos a los artistas de la puesta What they are instead of, que se presenta mañana en LARVA. Jared Gradinger and Angela Schubot desarrollaron esta pieza en 2008, se conocen desde hace 14 años y han logrado conservar la primera de las líneas de este trabajo.

P. ¿Cómo es que nació esta pieza y cómo se ha transformado?

Jared: Originalmente fuimos invitados por ecuradores llamados Pictoplasma, hacían la curaduría para una compañía, Contemporany character design and art, que se trata más de arte callejero, diseño de personajes, artes gráficas y arte multimedia. Nos invitaron a ser parte de una exhibición, habíamos trabajado con ellos antes, pero más en el mundo de las caricaturas, de los personajes. La pregunta nació ahí: ¿Cómo podíamos sólo ser cuerpos pero seguir siendo parte de este mundo de los personajes? Entonces hicimos esta pieza que estuvo, de hecho, más envuelta en el contexto de la danza, más en la escena artística.

   Al principio cuando la mostramos a nuestros amigos bailarines, su impresión fue de “por dios, qué es esto, que están haciendo”. Las dos primeras presentaciones fueron las mejores. Éramos muy jóvenes, muy ambiciosos y llenos de energía. Éramos muy  rápidos con los ruidos de la respiración, teníamos una hiper respiración. En la segunda quisimos bajarle el nivel a esta hiper respiración, la pieza debe durar 25 minutos y entonces duramos una hora y media en escena (risas), y no debimos hacerlo, la gente al principio estaba a punto de dormirse. Al principio estaban súper atentos a todo lo que pasaba, pero luego, definitivamente, estaban durmiendo. Sin embargo, permanecimos en una dirección, en la misma coreografía, no cambiamos lo que estábamos haciendo dentro de la pieza, no hicimos otra escena, y otra escena con otras nuevas cualidades, en realidad fue sobre permanecer en un mundo, en una idea y ver qué encontrábamos dentro, en medio o encima de en lo que intentábamos convertirnos.

Angela: Recuerdo lo que queríamos hacer por la pieza tres horas antes de estrenarla, fue una locura, estábamos empezando y estábamos nerviosos, fue como descubrir un nuevo lenguaje, todo un reto.

Ahora siento que hemos hecho demasiado esta pieza y siento que la hacemos como si tuviéramos 17 años otra vez, es como si estuviera siempre viva, o algo así. Podrías despertarnos en medio de la noche y podríamos hacerla, no necesitamos ensayar demasiado, ahora está en la memoria de nuestros cuerpos, creo incluso que ya es parte de nuestros cuerpos, podría recordar cómo hacerla en mis sueños y ahora es más como un ritual, cuando tratas de hacer algo que ya hiciste cien veces en una nueva forma.

La primera vez fue como “oh, tenemos que hacer una súper presentación, tenemos que ser los mejores. Crecer nuestras capacidades físicas, agotar nuestros cuerpos”, ahora creo que lo hacemos más con la cabeza fría, nos tomamos más tiempo, pero, justo porque la coreografía es simple no es únicamente sobre la calidad, no tiene realmente una forma, porque incluso si hacemos menos en la escena sigue diciendo las mismas cosas.

P. ¿Ha cambiado la pieza a través de todos estos años en los que han trabajado juntos?

Angela: Siempre tuvimos que considerarnos, desde el principio, aun si no nos conocíamos teníamos que confiar en el otro, cuidar no lastimarnos, de alguna manera fue un talento que nació desde el principio, nos sentimos fuertemente unidos siempre.

Jared: Habíamos hecho varias piezas antes de esta, y es realmente interesante cómo el futuro transformó el pasado, nuestros cuerpos se han desarrollado juntos, el lenguaje de lo que hacemos se ha desarrollado a la par, incluso los errores que tuvimos en la primera pieza que hicimos juntos, incluso es un reto para nosotros mirar atrás y ver si esos pequeños errores siguen aquí, o se han cambiado debido a lo que nos hemos convertido.

P. ¿De qué les habla esta pieza ahora? ¿Es sobre las relaciones en la sociedad y sus dificultades?

Angela. Es gracioso, creo que sólo puede ser lo que tú describes debido a que nosotros no lo planeamos así, no pensamos en eso al hacer la pieza. No trabajamos en la relación hombre-mujer, o sobre las relaciones sociales, no trabajamos en las dinámicas de pareja, no hablamos del amor y no tratamos de representar humanos. Lo que realmente queríamos era transformarnos en un órgano, encontrar algo que está en otro mundo, no se trata de tú y yo ni sobre las interacciones sociales, sino realmente intentar convertirnos un órgano, una fuerza. Pero por supuesto siempre pasa que cuando pruebas algo nuevo o desconocido, al principio esto te muestra lo que está ahí afuera y la pieza está mostrándote un montón de cosas que no puedes dejar atrás, que son, por ejemplo, las cosas que tú mencionas. Pero esto es sólo una capa de la pieza, de hecho, no trabajamos con eso, sabemos que es una de las capas de lo que la pieza habla y reflexiona, pero tratamos algo diferente. Realmente tratamos de estar en otro lugar, no citar un lugar que ya existe en el mundo, sino hacer un nuevo lugar en el que la gente pueda estar unida en diferentes maneras y no en las viejas, claro que para intentarlo necesitas las viejas maneras, no puedes hacerlo todo tú solo;

Jared: Cuando hicimos la pieza, en este contexto de diseño gráfico,

hablamos sobre lo que es un diseño gráfico en un personaje: la carita sonriente, dos puntos y una línea en un círculo, y a veces pensamos que esa es la felicidad, lo vemos todos los días con los emojis, eso no es nada, no es una emoción, no es algo vivo pero está diciendo algo, lo vemos, lo leemos y eso es la humanidad.

Eso representa a la humanidad. Cuando nosotros hicimos el proyecto quisimos crear algo para la gente pudiera proyectarse fácilmente, y con suerte, reflexionara sobre esta proyección y revisara qué está pasando, lo que a veces también se frustra desde el principio y lo único que ve el espectador es a un hombre y a una mujer intentando fornicar y está bien, pero va más allá, y más allá, y más allá y ahí puedes dejar caer todo lo que conoces, hasta que te topas con otro mundo, algo más o con lo que ves realmente. Todo esto es hermoso, lo que eres capaz de provocar cuando eres artista, crear algo que para otros puede ser muy intenso, en alguna manera no se trata de mí, de hacer el mega espectáculo, que brilla en el escenario, se trata de algo más.

P. ¿Cómo describirían lo que hacen? ¿está en el límite entre la danza, el teatro y el performance?

Jared: Yo vengo del teatro y ella tiene entrenamiento en danza. Y nos conocimos en el extremo del performance, en el deseo de esta otra cosa, que puede ser un cliché, pero de verdad queríamos encontrar algo más. Ahora vamos a hacer una nueva pieza y siempre que te metes en el problema de definir lo que es la danza, pero te tienes que hacer esas preguntas para saber a donde vas, siempre decimos que es más performance. No era nuestra intención, nuestra intención era hacer algo muy rudo, muy puro físicamente, algo sobre el acto del cuerpo.

Angela: Para mí es danza lo que hacemos. Totalmente. Pero lo que es más, y es como lo llamamos, es Ser. Trabajamos mucho en ser juntos, así que lo que hacemos es un ser desde el cuerpo, no le llamamos danza porque no es sobre representar algo, es más bien encarnar algo, pero para mí eso es la danza en la vida real. Conectar el cuerpo y vivir algo que está frente a tus ojos, es sobre jugar con algo frente a ti, la conexión de movimientos que están ahí enfrente, para mí eso es danza.

P. ¿Se trata, entonces, de ponerles nuevos nombres o de expandir los viejos?

Jared: Es como tener un gran jardín y entonces tienes que justificar que este jardín es danza por el movimiento de las flores, el pasto, el campo, la gente que anda alrededor, no sé, hay mucha energía en esto como para explicar, así que sólo lo acepto, digo: sí es, es danza, un performance, además es un jardín, es una instalación. Para mí el término de la danza se ha expandido mucho ahora.

Angela: Si dices que la danza es movimiento, tendríamos que decir que la vida es danza, porque la vida es movimiento, si entonces lo delimitamos y decimos que la danza son ciertas habilidades del cuerpo, eso es exclusión en la discusión belleza, y eso está bien, pero cómo podemos negar que el movimiento de las nubes es danza.

P. Es pronto para preguntarlo, pero ¿qué les parecen los encuentros como EINCE?

Jared: Es duro, es difícil hacerlo, hemos conocido poca gente hasta ahora pero realizarlo con poco dinero y en México, pero el deseo real de traer información, de traer conocimientos y otros tipos de energía para extender las conciencias y compartir un lugar en común junto con otros artistas, eso es lo mejor. Mejor que los grandes festivales que se concentran en presentar a muchos artistas, las estrellas, que terminan por no conocerse entre ellos, que terminan por no compartir nada. Me gusta más cuando se organizan desde el corazón, y de verdad quieren conocerte.

Se suponía que… un futuro lleno de té

Se suponía que éste era el futuro / (This was supposed to be the future)

Future Husband

Jueves 3 de noviembre, 20:00 horas / Viernes 4 de noviembre, 20:00 horas.
Laboratorio de Arte y Variedades (LARVA). Guadalajara, Jalisco, México.
Boletos en LARVA (
Ocampo 120 Centro. Guadalajara)

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Se suponía que éste era el futuro es una pieza de danza, teatro y multimedia que destroza la Historia e inventa nuevas historias, como respuesta al derrumbe de los grandes mitos fallidos.

Una deconstrucción anárquica y poética sobre las narrativas que nos contamos.

Haciendo uso de los conceptos historia, biografía y ficción, e incluyendo álbumes familiares, manifiestos, explosiones y punk rock, Se suponía que éste era el futuro reescribe múltiples pasados e imagina nuevas formas de mirar el futuro

Concepto: Julia Croft y Natasha Barhedia.
Performance: Julia Croft, Natasha Barhedia, Miguel Mesa.
Diseño sonoro: Miguel Mesa.
Diseño visual: Dalia Huerta.
Producción: Daniela López (Boreal Producciones).


Té y Teoría

Sesión 1: Futuro vs no-linealidad. La visualización del futuro tras las rupturas de las narrativas lineales. 26 de octubre, 17:00 horas. MURA.

Sesión 2: Mito y ritual, futuro e inauguración. 28 de octubre, 18:00 horas. MURA.

Future Husband llevará a cabo sesiones de lectura, análisis y diálogo sobre textos pertenecientes a la filosofía, teoría crítica e investigación en artes escénicas dentro del Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE.

Este espacio de diálogo forma parte de las actividades paralelas del proyecto escénico «Se suponía que éste era el futuro». Las sesiones de discusión, públicas y gratuitas, se llevarán a cabo en el Museo de Arte Raúl Anguiano, MURA (Av. Mariano Otero 375, Colonia Moderna)

Inscripciones a TÉ Y TEORÍA: sesuponiaqueesteeraelfuturo@gmail.com

La magnífica Tamara Cubas

No sabemos si le gustan las cubas, menos si le gustan con algún refresco en particular, pero sí que participar en Multitud, su proyecto, significa una oportunidad única para los que se animen a pasar siete días con la gran coreógrafa uruguaya durante EINCE

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¿Quién es Tamara Cubas?

Licenciada en Artes Plásticas y Visuales, en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República (IENBA/UDELAR). Master en Arte y Tecnología en EMMA, Escuela de Artes de Utrech, Holanda, premio EMMA Award in Image & Technology.
Se forma en danza contemporánea en Montevideo, en la Escuela Contradanza.

Ha bailado con el coreógrafo brasilero Marcelo Evelin y Luciana Achugar, realizado audiovisuales para Contradanza (Uruguay), Demolition Inc y The Meekers (Holanda,) entre otros.

Su trabajo autoral ha sido exhibido en diversos países de América Latina, Europa y Estados Unidos. Dicta talleres de video en Argentina, Brasil, Chile, Paraguay, México, Uruguay y España. Se ha desempeñado como docente de sensibilidad corporal en Facultades de Bellas Artes y Arquitectura en Uruguay, ha preparado actores para obras de teatro como Arturo UI de la Comedia Nacional del Uruguay y Don Juan de Marianela Morena y desempeñado como jurado en festivales y proyectos como Rumos Itau San Paulo (2006,2009) y Festival de Videodanza ARCIS, Chile.

Es co-directora artística del colectivo Perro Rabioso, desde donde ha llevado adelante numerosos proyectos de culturales relacionados con la difusión, formación y producción artística como el FIVU, Festival Internacional de VideoDanza de Uruguay y la Videoteca Montevideo. Diseñó y fue la coordinadora general entre el 2006 y 2009 de PLATAFORMA, Programa de incentivo a la producción y la innovación artística (Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay), directora del Festival Internacional de Artes Escénicas, Setiembre Escénico 2009 (MEC), asesoró en material de danza a varios proyectos de la Dirección de Cultura del Uruguay como Fondos Concursables, AEscena!, entre otros. Fue asesora de programación en danza del Teatro Solís, Montevideo, 2008-2009. Jurado Fondos Concursables Uruguay 2010. Es becaria 2012-2014 del FECFA, Fondo de incentivo a la creación artística del Ministerio de Cultura de Uruguay.

Dentro de sus trabajos recientes se destacan las obras escénicas Actos de Amor Perdidos (Montevideo 2010), Multitud (México 2011, Montevideo 2013), Puto Gallo Conquistador (2014) y la exposición El día mas hermoso, (Montevideo 2012).

Participó en la Primera Bienal de Arte de Montevideo, expuso en la exhibición colectiva de Fotografía, El lugar de lo Dicho en el Museo de Artes Visuales. Ambas en Montevideo. Fue beneficiaria de la Beca de Creación Justino Zavala del Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay 2012.

En mayo 2015 representará a Uruguay en la Bienal de Arte de La Habana con su obra escénica Multitud. Prepara una exposición individual para el Centro Cultural de Tlalpan, México DF y estrenará en el mes de octubre su nueva creación escénica que forma parte de la Trilogía Antropofágica.

¿Más información sobre la convocatoria? Pulsa aqui

Olga Gutiérrez

Creadora, investigadora y gestora de artes vivas. Su interés está en el cuerpo, la investigación escénica y lo que ella llama “dramaturgia viva”. Mantiene contacto  con lenguajes como la danza, el teatro, el arte acción, el arte sonoro y las prácticas artísticas en torno al espacio público, para entender la complejidad que implica la práctica artística en el siglo XXI.

  Se ha formado entre México y diferentes países de Europa central. Ha trabajado con directores de países como Polonia, Francia, Canadá, Bélgica y México. Ha presentado su trabajo en países como México, España, Francia, República Checa, Uruguay, Colombia, Argentina y Brasil.  Ha sido beneficiada en dos ocasiones por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes –a través de su programa de Estímulos al Desarrollo y a la Creación Artística de Jalisco- en las disciplinas de teatro y danza.

  Ha presentado sus obras en Festivales de diferentes ciudades de México, y a partir del 2012 en Festivales internacionales en Francia, España, República Checa, Brasil, Colombia, Uruguay y Argentina.

  En 2015 estrenó la obra Diente de Oro en  el Festival Salmón del Mercat de les Flors en Barcelona (España), en una co-producción entre México y España. Realizó el proyecto de investigación escénica titulado Me he puesto a quemar los cuerpos en Montevideo (Uruguay), San Luis Potosí (México) y Barcelona (España).

  Actualmente se encuentra en producción de su pieza El verdadero nombre de David Copperfield es David Seth Kotkin la cual se estrenará en diciembre del 2016 en el Teatro Café Müller en Buenos Aires (Argentina), una producción México-Argentina. Realizará la tercera obra de su proyecto NOSOTROS ESTAMOS AQUÍ con los creadores argentinos Rakhal Herrero y Celia Argüello, que se presentó este año en diversas ciudades de México, así como Florianopolis (Brasil) y en el 2017 en España y Alemania.

jefaolga

  Es curadora como extensión de su práctica artística y reflexiones en torno a las artes vivas; realiza curaduría para el Festival que coordina en la ciudad de Guadalajara (México) Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE y por invitación para otros espacios y como gestora y productora promueve plataformas y proyectos de intercambio y colaboración artística pues considera que es un esquema contemporáneo de práctica artística y social que genera nuevas reflexiones de la vida y el arte.  Su trabajo de gestión en México para la danza contemporánea y las artes vivas está relacionado con la creación y el fomento de espacios que promuevan otros imaginarios de lo que este lenguaje puede ser en cuanto a pedagogía, creación y producción se refiere.

  Directora general del Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE, plataforma de promoción, investigación, reflexión y producción de arte escénico contemporáneo. Se realiza cada año durante un periodo de dos a cuatro meses en la Ciudad de Guadalajara (México), dónde se realizan actividades como presentaciones, clínicas de trabajo, laboratorios de creación y residencias artísticas con artistas de diversos países. Esta plataforma fue beneficiada por el fondo internacional IBERESCENA para realizar la novena edición en el 2015.

  Realiza el  diseño y coordinación de MURA EN EL FRESNO, una plataforma de articulación de prácticas artísticas diseñadas para el Museo de arte Raúl Anguiano (MURA) para la Colonia El Fresno. Esta plataforma se establece como un “territorio” que posibilita el cruce y la articulación de prácticas artísticas de  diferentes tipos, contextos varios (ámbito ciudadano y ámbito artístico) y agentes. Territorio que se piensa como una práctica de la colaboración y el tejido en red con la comunidad del Fresno. Es una plataforma  que albergará actividades de promoción cultural como recorridos, talleres y encuentros, con la intención de provocar un dialogo con los habitantes de la colonia.

¡La Fura dels Baus te busca!

¿Mantienes buena condición física, no le tienes miedo a las alturas y te gusta el circo, la maroma y el teatro?

Sucede, el monumental proyecto del Gobierno de Guadalajara busca voluntarios para formar parte del espectáculo que presentará la compañía española Fura dels Baus:  Afrodita y el juicio de París,

y como EINCE también es Sucede, ofrecemos un paquete de tres boletos para nuestras tres funciones en LARVA a quienes se inscriban enviándonos un correo a prensaeince@gmail.com

Podrán participar todas aquellas personas mayores de edad que practiquen de manera profesional o amateur disciplinas tales como teatro, danza, circo, parkour, acrobacia o algún tipo de trabajo corporal.

Es indispensable que tengan disponibilidad de cuatro horas diarias del 4 al 7 de octubre, y de tiempo completo el 8 de octubre, el día que se llevará a cabo este espectáculo a las 20:00 horas en Plaza Liberación.

Mándanos un correo con tu nombre completo, teléfono de contacto y una foto de tu IFE o Pasaporte a prensaeince@gmail.com

Indispensable: «Performance en México, 28 testimonios 1995 – 2000», de Dulce María de Alvarado Chaparro.

Nos encanta este libro porque, lejos del a veces acartonado tono de las tesis que se publican como libros de consulta (y que para entender hay que comprar otros cinco libros de consulta), este tomo nos deja ver la historia del performance en México desde las voces de sus protagonistas.

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Dulce María de Alvarado Chaparro explica:

El arte hace la magia de que en este mismo espacio convivan escultores, pintores, dj’s, artistas del performance, teóricos, críticos, filósofos, historiadores, teatreros, periodistas, todos involucrados de distintas maneras en el performance o arte acción en México.»

Entrevistó a artistas o miembros de los colectivos: 19 Concreto, Chrysler, Miguel Ángel Corona, Armando Cristeto, Felipe Ehrenberg, Roberto Escobar, Manuel Felguérez, Renato González Mello, Melquiades Herrera, Alberto Híjar, Francisco Icaza, Marcos Kurtycz, Manuel Marín, César Martínez, Mónica Mayer, Alejandro Montoya, Yoko Ono, Tomás Parra, Adolfo Patiño, Gustavo Prado, Mario Rangel Faz, Martín Rentería, Carlos Rush, Elvira Santamaría, Armando Sarignana, Semefo (entrevista a Teresa Margolles, Arturo Angulo y Carlos López), Eloy Tarcisio y Raquel Tibol, y les recomendamos, sobre todo, la maravillosa conversación con Ehrenberg y el prólogo.

El libro fue editado con el apoyo de 17 Consultoría, con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y la Fundación Jumex Arte Contemporáneo, así que puede adquirirse a buen precio.

 

¡EINCE también Sucede!

El Festival Cultural de Guadalajara: SUCEDE,

Es una invitación permanente a construir juntos, gobierno y sociedad, una Guadalajara llena de arte y cultura.»

EINCE forma parte de Sucede, el proyecto del Gobierno de Guadalajara que durante ocho semanas reunirá 794 actividades de 84 compañías de diez países, en 122 sedes de 71 colonias en nuestra ciudad.

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Guadalajara será sede de la cultura y la cultura sucederá en sus calles, barrios, plazas, jardines y cualquier espacio público que congregue a los tapatíos y a la comunidad artística local, nacional e internacional.

Para ver el programa completo aquí:  Sucede.