Colaboradores artísticos

Kenji Kishi Leopo: Composer, musician and sound designer for stage. Specialized in music composition for stage, collaborates with a number of companies and collectives, such as Laboratory puntoD, La Compañía Opcional (The Optional Company), Teatro Bazar (Bazaar Theater), Pies Hinchados (Swollen Feet) among others. He has been presented in diverse places in México and in the Fringe Festival in Madrid and Espacios Revelados (Revealed Spaces) in Bucaramanga, Colombia. On film, he has composed the music for various features like The Blue Years, We Are Mari Pepa, Eight out of Ten, La Hora de la Siesta (Nap Time), Entitled to Sail, among others. He was nominated for the Ariel on Best Original Music for We Are Mari Pepa. He is a contrabass player and composer on the Supercluster Ensemble, a chord quintet specialized in contemporary music and multidisciplinary work.  

Adiós al Futuro: Guadalajara Jalisco, 1982. Visual artist specialized in lighting and visual design for scenic spectacles, as well as investigation and development of conceptual projects on diverse media. She currently directs her most ambitious multimedia project “Intersexual Project” and is technical director and lighting designer of FICHo “International Festival of Circus and Chou Mexico”, VJ of the Ampersan and space designer of the company Les Cabaret Capricho and creator Olga Gutiérrez (Laboratory PuntoD). Her work has been presented in important cities in the world and has been recipient of the program for Young Creators, Promotion and Co-investment of FONCA, PROYECTA Production and the SUCEDE Festival of the Government of the State of Jalisco and the Dutch Foundation MAMA Cash.  

Dolores Garnica: Essayist and journalist. Columnist of visual arts for the Magis magazine of the ITESO University, and collaborator and habitual curator on Luvina, UdeG magazine. After ten years of journalism work and a critique column about contemporary art, in 2010 she obtained the Young Creators grant in PECDA Jalisco. She created and coordinated the National Forum about Violence and Art in 2013, Chronicle GDL, GDLee (GDL Reads) in 2013 and 2014, among other projects dedicated to cultural production and reading promotion. In 2015 she obtained the Incentive for Creators with Trajectory, in the Literature Area of PECDA Jalisco. In 2016 and 2017 she coordinated the Municipal Book Fair of Guadalajara. “A gray almost green”, her first essay book, was published in 2017 on Paraíso Perdido (Lost Paradise) Publishing House, she was also included an various books about visual arts and literary essay. She is currently coeditor of the Mexico DESIGN magazine.  

Nidia Beltrán: Graduate in Communications by the UP (Panamerican University), Nidia Beltrán is founder and editor of the digital magazine Sombra Emergente (Emergent Shadow), that from 2014 has outlined the local art scene in Guadalajara, Has collaborated in different areas on Guadalajara festivals such as: the EINCE International Contemporary Dance Encounter Mexico – Germany, the Guadalajara International Film Festival “FICG”, the International Dance and Electronic Media Festival “Bailar Apantalla”, and the “FICHO” International Festival of Circus and Chou Mexico.

Karla Sosa: Graduate of the Sciences and Communication Techniques Degree of the Atemajac Valley University (UNIVA), she is a stage artist in the Arrogante Albino collective, beneficiary group of the International Prize of scene creation DespiertaLab 2018 (Barcelona). In the area of cultural management and promotion she has collaborated in the generation of programs for art appreciation and reading promotion, for ARTEFACTO (Artifact) Cultural Agency, as well as creative laboratory coordination for artists in formation, on PM Teatro Inquieto. Her interests are focused on performance, photography and literature. In 2019 her first collection of short stories will be published in Atípica Editorial.

Kenji Kishi Leopo: Compositor, músico y diseñador sonoro para escena. Especializado en la composición musical para escena, colabora con diversas compañías y colectivos como Laboratorio Punto D, La Compañía Opcional, Bazar Teatro, Pies Hinchados, entre otros más. Se ha presentado en diversos lugares del país y en el Festival Frinje en Madrid y Espacios Revelados en Bucaramanga, Colombia. En cine, ha compuesto la música de varios largometrajes como Los Años Azules, Somos Mari Pepa, Ocho de cada diez, La Hora de la Siesta, Derecho de Playa, entre otros. Estuvo nominado al Ariel por Mejor Música Original por Somos Mari Pepa. Es contrabajista y compositor en Ensamble Supercluster, quinteto de cuerdas especializado en la música contemporánea y en el trabajo multidisciplinar. 

Adiós Al Futuro: Guadalajara Jalisco, 1982. Artista visual especializada en el diseño de iluminación y visuales para espectáculos escénicos, así como en la investigación y el desarrollo de proyectos conceptuales en diversos medios. Actualmente dirige su proyecto multimedia mas ambicioso “Proyecto Intersexual” y es director técnico y diseñadora de iluminación del FiCHo “Festival Internacional de Circo y Chou de México”, VJ de la banda Ampersan y diseñadora de espacio de la compañía Les Cabaret Capricho y la creadora Olga Gutiérrez (Laboratorio PuntoD). Su trabajo se ha presentado en importantes ciudades del mundo y ha sido beneficiaria del programa Jóvenes Creadores y Fomento y Coinversión del FONCA, PROYECTA Producción y Festival SUCEDE del Gobierno del Estado de Jalisco y de la Fundación Holandesa MAMA Cash.

Dolores Garnica: Ensayista y periodista. Columnista de artes visuales para la revista Magis del ITESO, y colaboradora y curadora habitual en Luvina, revista de la UdeG. Después de diez años de trabajo en periodismo y con una columna crítica sobre arte contemporáneo, en 2010 obtuvo la beca de Jóvenes Creadores en PECDA Jalisco. Creó y coordinó el Foro Nacional sobre Violencia y Arte en 2013, Crónica GDL, GDLee en 2013 y 2014, entre otros proyectos dedicados a la producción cultural y a la promoción de la lectura. En 2015 obtuvo el Estímulo a Creadores con Trayectoria, en el Área de Literatura del PECDA Jalisco.  En 2016 y 2017 coordinó la Feria Municipal del Libro de Guadalajara. “Un gris casi verde”, su primer libro de ensayos, se publicó en 2017 en Paraíso Perdido, además de incluirse en varios libros sobre artes visuales y ensayo literario. Actualmente es coeditora de la revista México DESIGN.

Nidia Beltrán: Licenciada en Comunicación por la Universidad Panamericana, Nidia Beltrán es fundadora y editora de la revista digital Sombra Emergente, que desde 2014 ha reseñado la escena local artística de Guadalajara. Ha colaborado en diferentes áreas en festivales de Guadalajara como: el Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo “EINCE”, el Encuentro Internacional de Danza Contemporánea México – Alemania, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara “FICG”, el Festival Internacional de Danza y Medios Electrónicos “Bailar Apantalla”, y el Festival Internacional de Circo y Chou de México “FICHO”.

Karla Sosa: Egresada de la Licenciatura en Ciencias y Técnicas de la Comunicación, por la Universidad del Valle de Atemajac (UNIVA), es artista escénico en el colectivo Arrogante Albino, grupo beneficiado con el Premio Internacional de creación escénica DespertaLab 2018 (Barcelona). En el área de gestión y promotoría cultural ha colaborado en la generación de programas de apreciación de las artes y fomento a la lectura, para ARTEFACTO, Agencia Cultural, así como la coordinación de laboratorios creativos para artistas en formación, en PM Teatro Inquieto. Sus intereses están enfocados en el performance, la fotografía y la literatura. En 2019 será publicada su primera colección de cuento breve, en Atípica Editorial. 

11EINCE18: Jueves 26 de julio

18:00 a 20:00 horas. PAOS (Calle Aurelio Aceves 27, Arcos Vallarta). Entrada libre

Este jueves estaremos presentando los resultados del Encuentro Internacional de Creadores (EICRE) que bajo el título CUERPO A CUERPO estuvieron discutiendo en torno la realidad de la violencia del cuerpo en el espacio público.

Presentarán una serie de gestos, inspiraciones, preguntas, pancartas, audios que engloban estos nueve días de pensamiento y producción.  En un segundo momento, se realizará una charla con chela entre los creadores participantes y el público.

EICRE 2018 es un laboratorio de pensamiento conformado por creadores y artistas-gestores de diferentes ciudades de México y Brasil.

Creadores participando: Nadia Lartigue CDMX, Juan Francisco Maldonado CDMX, Esthel Vogrig CDMX, Carolina Nobrega BRASIL, Rosa Gomez MEXICALI, Adrián Nuche GUADALAJARA, Olga Gutiérrez GUADALAJARA, Toto MORELIA-GUADALAJARA, Carolina Vazquez Chau GUADALAJARA, Iván García GUADALAJARA, Julia Barrios CDMX, Daniel García CHIAPAS.

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11EINCE18: 25 de julio

Miércoles 25 de julio

Performance, activaciones, manifiestos escénicos

18:30 a 20:30 horas. Sede: Teatro LARVA (Ocampo y Av. Juárez, Centro). Creadores invitados de 11 ENCE 18. Entrada libre. Revisa el resto del programa aquí.

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Presentaremos diferentes activaciones, gestos y manifiestos de los creadores internacionales y nacionales invitados a EINCE, quienes estuvieron trabajando en Guadalajara a partir de sus proyectos específicos.

Será una sesión divida en dos momentos. En el primer bloque tendremos la conferencia performativa de Liga Tensa quienes presentarán una conferencia performativa; como segundo bloque tendremos la presentación de tres acciones/piezas: la primera por parte de la creadora brasileña Carolina Nóbrega quien estuvo trabajando con dos creadores de Guadalajara en el barrio de Analco, la segunda a cargo de Viernes Roza y la última a cargo del proyecto de danza punk de Mexicalli Rosa A. Gomez.

18:30 a 19:30 hrs. Escuchar la manifestación como a un río. Conferencia performativa del proyecto Es enorme y se mueve como el gas LIGA TENSA

19:30 a 20:30 hrs. Habitar la obsolescencia o cómo me convertí en una termita. Carolina Nóbrega con creadoras de Guadalajara: GRITA / Viernes Roza / #DD / Rokikia Anale

Es enorme y se mueve como el gas. LIGA TENSA: Es enorme y se mueve como el gas es un proyecto de investigación que busca, a través de herramientas coreográficas, estudiar y analizar la forma y función de las manifestaciones de protesta de los últimos años en contextos urbanos de México, en relación con movimientos de otros países, principalmente latinoamericanos. Esthel Vogrig, Juan Francisco Maldonado y Nadia Lartigue son coreógrafas interesadas en repensar las posibilidades de la coreografía, expandir sus formatos y explorar su potencial político. Juntas conforman la agrupación musical Los Vecinos del Ritmo, y con otras colegas constituyen el Colectivo AM, espacio de intercambio, creación y transmisión coreográfica.

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Habitar la obsolescencia o cómo me convertí en una termita. Carolina Nóbrega: Proyecto escénico que propone exponer el cotidiano latinoamericano como una película de horror, donde procesos compulsivos de violencias sobrepuestas degradan modos de existencia hasta su total pérdida de sentido. En este escenario, amenazas de destrucción son enunciadas por todas las cosas – ni los cuerpos, ni los objetos, ni los paisajes son inocentes. Carolina labora principalmente en Sao Paulo, Brasil. Su principal área de actuación es la danza contemporánea, pero sus trabajos también transitan por las artes visuales (performance, fotografía, video), el teatro y la literatura. Desde 2015 su único entrenamiento corporal es el boxeo y sus trabajos nacen como efecto colateral del mismo. Actúa en contextos y regiones marginadas, proponiendo el arte como forma de resistencia política. Investiga modos no jerarquizados de creación, tanto en su acción pedagógica como en colaboraciones con artistas, activistas y colectivos autogestivos que ella integra – el Colectivo Cartográfico y el Grupo do Trecho.

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GRITA / Viernes Roza: Propuesta multidisciplinaria en la que dialoga el performance, la música en vivo y las artes plásticas.  Mediante la investigación de 4 artistas sobre movimientos contraculturales y de protesta surgidos en américa latina desde la década de los años 70, el equipo de grita trabaja para retomar las voces de descontento y construir una obra escénica multidisciplinaria en la que intervengan elementos sonoros de la música rock, las estéticas visuales de dichas manifestaciones y las corporalidades de las juventudes reprimidas. Creadorxs: Victor Villasana, Alonso Mendoza, Elías Rocha y Edgal Pol.

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#DD / Rokikia Anale: Nuestro punk no/si es ideológico, no/si es político, no busca cambiar las cosas, no quiere ser original ni tiene como objetivo caerle bien a alguien. Nuestra danza punk es un ejercicio anacrónico que quisiera haber nacido en la década de los veintes del siglo pasado, pues se identifica más con la ideología de Tristan Tzara y con el momento en que uno podía nombrar a las cosas de la forma en que se le diera la gana. Dadaísmo por ejemplo. Nuestra danza punk es fruto de nuestro contexto sociocultural en el que el arte no es cosa seria aunque permanezcamos en el luto como sociedad… ¿por qué hacer arte carente de humor? ¿Por qué llenar la vida de drama cuando ya hay demasiado en la realidad? Nos gusta el ballet y nos gusta Laban tanto como el piso, nos gusta el piso, amamos el piso, siempre queremos estar en él, coger con el piso y permanecer enterrados, queremos que la luz traspase el piso, queremos fotosíntesis en nuestra danza.

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Estuvimos en CDMX

¡Estuvimos en el Teatro de la Danza! Participamos con la obra ESTADO DE EMERGENCIA en el ciclo OTRAS CORPORALIDADES bajo la curaduría de Nadia Lartigue. 

Al respecto Lartigue dice: “Este año, el ciclo propone 7 piezas que proponen una experimentación desde la repetición. Estas piezas no se estructuran desde la consecutividad narrativa de sus escenas, sino más bien insisten en cada acción corporal, cada gesto, y su devenir. Los trazos y los cuerpos se re-significan y apelan a la memoria (la del intérprete como la del espectador), mientras el espacio soporta el movimiento en un tiempo tenso. Son estados de resistencia.

Compartimos el escenario con los creadores Diego Espinosa, Galia Eibenschutz, Magdalena Leite y Aníbal Conde, Nido Uwera, Emmanuel Pacheco, Compañía La Güera y Colectivo Querido Venado. 

Conoce el programa de ésta y otras ediciones OTRAS CORPORALIDADES

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Festina Lente y la Del Fresno…

Dos funciones espectaculares. Extensión EINCE 2017 se unió a Plataforma MURA en el Fresno para ofrecer, primero en la Escuela Federal Primaria Héroe de Nacozari y después para el público general en el DIF de la Colonia Del Fresno, dos funciones de Festina Lente – make haste slowly. ¿El resultado? Aquí les dejamos varias postales…

¡Llega Extensión EINCE 2017!

Este año decidimos apostar por dos proyectos de Alemania y Brasil…

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Y hacer sinergia con la Plataforma MURA en Fresno porque nos interesa hacer alianzas con programas que fomenten el desarrollo del arte escénico contemporáneo en la ciudad de Guadalajara. Decidimos tomar el riesgo de colocar estas propuestas innovadoras en espacios que se abren a la posibilidad de este acontecimiento, dos espacios en la colonia del Fresno que han colaborado en este 2017 con la Plataforma: la Escuela Primaria Urbana Federal Héroe de Nacozari, y el Centro de Desarrollo Comunitario del Municipio de Guadalajara  #19 (DIF de la Colonia del Fresno). Pensamos en lo importante que es entender cómo actualmente los espacios para las artes escénicas se están desplazando a lugares más abiertos e híbridos que responden a estos lenguajes. Esto también es ser contemporáneo: los diálogos con otros contextos, otros públicos que posibilitan nuevas experiencias para el arte y la vida.

Para ver el programa completo pulsa aquí

Entrevista: Angela & Jared

Entrevista: What they are instead of

Por: Alejandra Carrillo

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Jared & Angela

Entrevistamos a los artistas de la puesta What they are instead of, que se presenta mañana en LARVA. Jared Gradinger and Angela Schubot desarrollaron esta pieza en 2008, se conocen desde hace 14 años y han logrado conservar la primera de las líneas de este trabajo.

P. ¿Cómo es que nació esta pieza y cómo se ha transformado?

Jared: Originalmente fuimos invitados por ecuradores llamados Pictoplasma, hacían la curaduría para una compañía, Contemporany character design and art, que se trata más de arte callejero, diseño de personajes, artes gráficas y arte multimedia. Nos invitaron a ser parte de una exhibición, habíamos trabajado con ellos antes, pero más en el mundo de las caricaturas, de los personajes. La pregunta nació ahí: ¿Cómo podíamos sólo ser cuerpos pero seguir siendo parte de este mundo de los personajes? Entonces hicimos esta pieza que estuvo, de hecho, más envuelta en el contexto de la danza, más en la escena artística.

   Al principio cuando la mostramos a nuestros amigos bailarines, su impresión fue de “por dios, qué es esto, que están haciendo”. Las dos primeras presentaciones fueron las mejores. Éramos muy jóvenes, muy ambiciosos y llenos de energía. Éramos muy  rápidos con los ruidos de la respiración, teníamos una hiper respiración. En la segunda quisimos bajarle el nivel a esta hiper respiración, la pieza debe durar 25 minutos y entonces duramos una hora y media en escena (risas), y no debimos hacerlo, la gente al principio estaba a punto de dormirse. Al principio estaban súper atentos a todo lo que pasaba, pero luego, definitivamente, estaban durmiendo. Sin embargo, permanecimos en una dirección, en la misma coreografía, no cambiamos lo que estábamos haciendo dentro de la pieza, no hicimos otra escena, y otra escena con otras nuevas cualidades, en realidad fue sobre permanecer en un mundo, en una idea y ver qué encontrábamos dentro, en medio o encima de en lo que intentábamos convertirnos.

Angela: Recuerdo lo que queríamos hacer por la pieza tres horas antes de estrenarla, fue una locura, estábamos empezando y estábamos nerviosos, fue como descubrir un nuevo lenguaje, todo un reto.

Ahora siento que hemos hecho demasiado esta pieza y siento que la hacemos como si tuviéramos 17 años otra vez, es como si estuviera siempre viva, o algo así. Podrías despertarnos en medio de la noche y podríamos hacerla, no necesitamos ensayar demasiado, ahora está en la memoria de nuestros cuerpos, creo incluso que ya es parte de nuestros cuerpos, podría recordar cómo hacerla en mis sueños y ahora es más como un ritual, cuando tratas de hacer algo que ya hiciste cien veces en una nueva forma.

La primera vez fue como “oh, tenemos que hacer una súper presentación, tenemos que ser los mejores. Crecer nuestras capacidades físicas, agotar nuestros cuerpos”, ahora creo que lo hacemos más con la cabeza fría, nos tomamos más tiempo, pero, justo porque la coreografía es simple no es únicamente sobre la calidad, no tiene realmente una forma, porque incluso si hacemos menos en la escena sigue diciendo las mismas cosas.

P. ¿Ha cambiado la pieza a través de todos estos años en los que han trabajado juntos?

Angela: Siempre tuvimos que considerarnos, desde el principio, aun si no nos conocíamos teníamos que confiar en el otro, cuidar no lastimarnos, de alguna manera fue un talento que nació desde el principio, nos sentimos fuertemente unidos siempre.

Jared: Habíamos hecho varias piezas antes de esta, y es realmente interesante cómo el futuro transformó el pasado, nuestros cuerpos se han desarrollado juntos, el lenguaje de lo que hacemos se ha desarrollado a la par, incluso los errores que tuvimos en la primera pieza que hicimos juntos, incluso es un reto para nosotros mirar atrás y ver si esos pequeños errores siguen aquí, o se han cambiado debido a lo que nos hemos convertido.

P. ¿De qué les habla esta pieza ahora? ¿Es sobre las relaciones en la sociedad y sus dificultades?

Angela. Es gracioso, creo que sólo puede ser lo que tú describes debido a que nosotros no lo planeamos así, no pensamos en eso al hacer la pieza. No trabajamos en la relación hombre-mujer, o sobre las relaciones sociales, no trabajamos en las dinámicas de pareja, no hablamos del amor y no tratamos de representar humanos. Lo que realmente queríamos era transformarnos en un órgano, encontrar algo que está en otro mundo, no se trata de tú y yo ni sobre las interacciones sociales, sino realmente intentar convertirnos un órgano, una fuerza. Pero por supuesto siempre pasa que cuando pruebas algo nuevo o desconocido, al principio esto te muestra lo que está ahí afuera y la pieza está mostrándote un montón de cosas que no puedes dejar atrás, que son, por ejemplo, las cosas que tú mencionas. Pero esto es sólo una capa de la pieza, de hecho, no trabajamos con eso, sabemos que es una de las capas de lo que la pieza habla y reflexiona, pero tratamos algo diferente. Realmente tratamos de estar en otro lugar, no citar un lugar que ya existe en el mundo, sino hacer un nuevo lugar en el que la gente pueda estar unida en diferentes maneras y no en las viejas, claro que para intentarlo necesitas las viejas maneras, no puedes hacerlo todo tú solo;

Jared: Cuando hicimos la pieza, en este contexto de diseño gráfico,

hablamos sobre lo que es un diseño gráfico en un personaje: la carita sonriente, dos puntos y una línea en un círculo, y a veces pensamos que esa es la felicidad, lo vemos todos los días con los emojis, eso no es nada, no es una emoción, no es algo vivo pero está diciendo algo, lo vemos, lo leemos y eso es la humanidad.

Eso representa a la humanidad. Cuando nosotros hicimos el proyecto quisimos crear algo para la gente pudiera proyectarse fácilmente, y con suerte, reflexionara sobre esta proyección y revisara qué está pasando, lo que a veces también se frustra desde el principio y lo único que ve el espectador es a un hombre y a una mujer intentando fornicar y está bien, pero va más allá, y más allá, y más allá y ahí puedes dejar caer todo lo que conoces, hasta que te topas con otro mundo, algo más o con lo que ves realmente. Todo esto es hermoso, lo que eres capaz de provocar cuando eres artista, crear algo que para otros puede ser muy intenso, en alguna manera no se trata de mí, de hacer el mega espectáculo, que brilla en el escenario, se trata de algo más.

P. ¿Cómo describirían lo que hacen? ¿está en el límite entre la danza, el teatro y el performance?

Jared: Yo vengo del teatro y ella tiene entrenamiento en danza. Y nos conocimos en el extremo del performance, en el deseo de esta otra cosa, que puede ser un cliché, pero de verdad queríamos encontrar algo más. Ahora vamos a hacer una nueva pieza y siempre que te metes en el problema de definir lo que es la danza, pero te tienes que hacer esas preguntas para saber a donde vas, siempre decimos que es más performance. No era nuestra intención, nuestra intención era hacer algo muy rudo, muy puro físicamente, algo sobre el acto del cuerpo.

Angela: Para mí es danza lo que hacemos. Totalmente. Pero lo que es más, y es como lo llamamos, es Ser. Trabajamos mucho en ser juntos, así que lo que hacemos es un ser desde el cuerpo, no le llamamos danza porque no es sobre representar algo, es más bien encarnar algo, pero para mí eso es la danza en la vida real. Conectar el cuerpo y vivir algo que está frente a tus ojos, es sobre jugar con algo frente a ti, la conexión de movimientos que están ahí enfrente, para mí eso es danza.

P. ¿Se trata, entonces, de ponerles nuevos nombres o de expandir los viejos?

Jared: Es como tener un gran jardín y entonces tienes que justificar que este jardín es danza por el movimiento de las flores, el pasto, el campo, la gente que anda alrededor, no sé, hay mucha energía en esto como para explicar, así que sólo lo acepto, digo: sí es, es danza, un performance, además es un jardín, es una instalación. Para mí el término de la danza se ha expandido mucho ahora.

Angela: Si dices que la danza es movimiento, tendríamos que decir que la vida es danza, porque la vida es movimiento, si entonces lo delimitamos y decimos que la danza son ciertas habilidades del cuerpo, eso es exclusión en la discusión belleza, y eso está bien, pero cómo podemos negar que el movimiento de las nubes es danza.

P. Es pronto para preguntarlo, pero ¿qué les parecen los encuentros como EINCE?

Jared: Es duro, es difícil hacerlo, hemos conocido poca gente hasta ahora pero realizarlo con poco dinero y en México, pero el deseo real de traer información, de traer conocimientos y otros tipos de energía para extender las conciencias y compartir un lugar en común junto con otros artistas, eso es lo mejor. Mejor que los grandes festivales que se concentran en presentar a muchos artistas, las estrellas, que terminan por no conocerse entre ellos, que terminan por no compartir nada. Me gusta más cuando se organizan desde el corazón, y de verdad quieren conocerte.